在手機社群裡，我們每日滑過數不清的迷因與梗圖，習慣了那種一秒即懂、瞬間反應的圖像語言。然而，站在藝術家林弈軒這位曾獲台北藝博MIT新人推薦，並於2025年奪得高雄獎首獎的創作者作品面前，你可能會停下來。他的畫面親近又有所抽離，豐富中有衝突節奏，引人駐足、追問，開展獨特的精神現實探索之旅。
從消費影像展開圖像反制
林弈軒大學時以錄像為主，後來選擇回歸繪畫，他認為這是更能自然承載思考的創作形式。在他看來，過去二十年裡，繪畫在當代藝術場域中已悄然轉變，不再僅是視覺的純粹實踐，而成為傳遞概念與說明議題的圖像工具。「除了『繪畫裝置化』與『裝置型繪畫』等形式興起，繪畫正迅速圖像化，成為概念與資訊的視覺包裝。」
迷因與梗圖的流行進一步加劇這個傾向。林弈軒觀察到，當代觀眾往往不是從觀看的角度，而是直接從圖像的內容對象，去尋求理解與意義。然而，這些對象往往只是被數據化與分類後的「象徵系統」。換言之，我們傾向簡化觀看，將視覺經驗變成「即食快餐」。
這樣的圖像消費模式，也改變了圖像的生產邏輯。他形容這類創作猶如品種犬繁殖場或披薩工廠，「以冷血美學、政治聯姻與商業邏輯」協同運作，源源不絕地輸出由數據演算導向的標準產品，如同熱帶氣候中快速增殖的阿米巴原蟲。觀眾看似擁有選擇權，實則早已受控於一套無形的分發與操控機制，食下的並非真實感知，而是廉價的感受性圖像——表面美味如披薩，近看卻猶如潰爛傷口。
在這樣的生產背景下，林弈軒放下古典繪畫對透視、光線與比例技巧的執著，更著重於畫面的直接處理，讓原始感官主導創作，對繪畫語言展開實驗。他試圖對影像展開「反控制」，將數位影像的清晰度解構、錯置，透過符號扭曲、拼貼重組與顏料塗抹，縫合那些看似失語的視覺碎片。
他將影像視為物質，在輸出紙本後拼貼再繪，誘發觀者對「眼球刺激」與「消費慾望」的潛在反應，進而轉化為一種「有機的人造景觀」。那些原本令人爽快的元素，經由繪畫處理後反而變得噁心、焦慮，展現出一種混雜著宣洩、愉悅與厭惡的情感質地。
這種處理並非單純反抗。林弈軒發現，這些看似對資本與媒介結構的抗衡，實則更像是「對真實生活的再現」。那些被拆解與拼貼的圖像組件，彷彿能填補日常精神中的空洞。
在圖像縫隙中拼貼感官敘事
談及創作動機，他形容自己是動機驅動型的創作者，多從個人經驗或童年記憶中提煉素材。例如作品〈熱鬥小馬〉便出自兒時觀看的賽馬動畫。藝術家將動畫裡那匹先天條件不足卻懷抱卓越夢想的小馬，與長大後對「卓越」需倚賴「科技與狠活」的現實理解交錯結合，轉化為一組細思極恐的影像拼貼，以色彩療癒卻內藏不安的圖像處理，呈現對當代成功想像的冷眼凝視。
在〈自渡〉中，林弈軒回憶同學養鴿的往事。那些「身上總帶著城市塵埃與細菌感」的鴿子，得了鴿痘卻依舊能飛翔。他想像鴿子越過海面，一人漂浮海上、套著救生圈，似乎在度假，卻也可能在等待救援。海下鯊魚若隱若現，卻像是電影佈景中的道具。整個畫面猶如錄像敘事，介於戲劇與虛構之間，在超現實的荒謬日常中，製造出一種不確定又潛伏的危機感。
〈無水許願池〉則從西方噴泉意象出發。天使雕像象徵信仰與正義，在畫中逐漸蛻變為藝術家與現實對峙的辯證載體。透過拼貼與塗繪，象徵場域被解構與重組，原先的許願池搖身成為「圖像繁殖場」，慾望、記憶與焦慮在其中層層孳生，持續蔓延。
林弈軒的畫面結構，來自潛意識的自由流動。他深入自我、提煉那些複雜、曖昧、難以命名的感受，轉譯為圖像，不以符號與風格為終點，而是製造敘事裂縫，讓觀者捕捉那些未被簡單命名標籤、卻確實存在的精神質地。
正因如此，他的作品並不僅只是視覺裝飾或意識形態傳達，而是引領人進入一個幽微又真實的精神場域——那裡無法快餐式理解，只能緩慢感知。
