2025台北雙年展「地平線上的低吟」：全球72位藝術家，共探「思慕」的柔軟力量

第14屆台北雙年展「地平線上的低吟」將於11月1日在臺北市立美術館開幕。本屆展覽由山姆．巴塔維爾（Sam Bardaouil）與提爾．法爾拉特（Till Fellrath）共同策展。他們以「思慕（Longing）」為起點，邀集來自全球37個城市、共72位藝術家參與，展出超過150件作品，包含34件全新委託創作與現地製作。作品形式橫跨繪畫、雕塑、錄像、攝影到表演，讓展場成為一個流動的世界縮影，描繪人類如何在失落、渴望與記憶之間尋找方向。

阿瓦羅・烏爾巴諾，《活畫（失竊的太陽》2024/2025，鋁、動作機械系統、電子系統、樹葉、LED燈條、金屬、感應馬達、漆料、壓克力玻璃、PVC、白色紙板、木材、臺北市立美術館典藏作品，549 × 1830 × 89 公分，藝術家及ChertLüdde， Travesía Cuatro，Marian Goodman Gallery 版權所有。圖像由臺北市立美術館提供，攝影呂國瑋。

「思慕」：推動人類前行的內在力量

展覽標題《地平線上的低吟》（Whispers on the Horizon），將「思慕」視為推動人類持續前行的內在驅力——那種明知不可及、卻仍不願放手的能量。

艾德加・卡萊爾，《K’obomanik（感激在我們眼前點亮又熄滅的一切事物）》，2025，石、繩索、泥土、陶器、水、數位顯示器，尺寸依空間而定，藝術家及 Mendes Wood DM, Sao Paulo及 Proyectos Ultravioleta, Guatemala City 版權所有，由2025 台北雙年展委託製作。圖像由臺北市立美術館提供，攝影呂國瑋。

「低吟」（Whispers）象徵交流的脆弱與持續；「地平線」（Horizon）則代表已知與所盼之間的交會。策展人以柔軟而堅定的語調提出命題：最微弱的呢喃，也能重新定義距離；最細微的舉動，也能改寫我們想像世界的方式。

李受俓，《轉譯瓷瓶_ 何時再見_2025》，2025，陶瓷碎片、鋼、環氧樹脂、24K 金箔、燈光，275（高） × 387 × 155 公分，藝術家版權所有，由 2025 台北雙年展委託製作。本作品之國際運輸承蒙KOFICE 慷慨支持。本作品之製作經費亦承蒙Iljin Cultural Foundation慷慨支持。圖像由臺北市立美術館提供，攝影呂國瑋。

西蒙・迪布羅・莫勒，《骨之袋》（錄像節圖），2023，電腦生成HD 錄像、有聲，3 分 54 秒，尺寸依空間而定，藝術家及Francesca Minini 和Palace Enterprise版權所有。

從在地物件出發，串連成觀看世界的透鏡

策展團隊以三件象徵性物件為概念線索：侯孝賢《戲夢人生》（1993）中的尪仔、陳映真〈我的弟弟康雄〉（1960）裡的日記，以及吳明益《單車失竊記》（2015）中的單車。
它們分別象徵堅韌、信念的掙扎，以及關於失落、傳承與歸屬的情感。雖未在展場現身，卻貫穿整體策展思路，讓「思慕」從回望過去，轉化為面向未來的力量。

張照堂，《李天祿》，1978，銀鹽相紙，40.6 × 50.8 公分，臺北市立美術館典藏。

蕭永盛，《士官與他的弟弟》，1981，銀鹽相紙，51× 40.5 公分，臺北市立美術館典藏。

策展人巧妙安排展場，讓本土藝術與當代創作展開對話。例如陳進《野邊》（1934）與陳澄波的明亮風景畫，不再侷限在時代脈絡，而是被放入當下的新主題內重新閱讀。當本土與國際、經典與當代新作並置，時空的界線被模糊，展現「思慕」如何跨越世代與地域，持續延伸與轉化。

徐清波，《密談》，1956，銀鹽相紙，50.8 × 40.6 公分，臺北市立美術館典藏。

陳柏豪，《終於等到我的辦桌》，2025，油彩、畫布，180 × 140 公分，藝術家版權所有。

策展人山姆．巴塔維爾與提爾．法爾拉特表示：「我們希望創造一個唯有在此地能實現的雙年展——傾聽那些形塑台北今日樣貌的歷史、語言與矛盾。我們與北美館典藏的對話並非懷舊，而是一種紮根：當我們深入參與在地故事，在地就能成為關照世界的透鏡。」

何彥諺，《私人旅行》（錄像截圖），2025，單頻道錄像、黏土、木材、石膏、金屬、玻璃、石板、紙、樹脂、膠、燈光裝置，尺寸依空間而定，藝術家版權所有，由2025 台北雙年展委託製作。

卓永俊，《學會愛的上週五》（錄像截圖），2025，單頻道4K 錄像、彩色、立體聲，20 分鐘，尺寸依空間而定，藝術家版權所有，由2025 台北雙年展及Singapore Biennale 2025 委託製作，協力單位：Medienboard Berlin-Brandenburg。本作品承蒙驕陽基金會慷慨支持，得以實現。

三層展區：在記憶、身體與歸屬間流動

本屆雙年展展品散佈在北美館三層樓中，採用紡織布幕取代實牆，讓展廳之間的界線更具穿透性。觀者的視線得以自由穿越，感受作品之間的呼吸與節奏。這樣的設計不只是形式創新，更回應展覽主題——「低吟」不僅是聲音的隱喻，也是觀看與思考的節奏。展牆文字則以簡潔明快的方式呈現，使觀眾能輕鬆理解作品脈絡，開啟自主閱讀的路徑。

一樓｜聚焦奉獻、記憶與堅韌

探討人們如何在歷史與日常中，以技藝與信念延續生命的力量。邱子晏《偽飛行場》重建日本殖民時期的誘敵機場，以鐵架與紙板手工搭建零式戰鬥機，結合錄像裝置，讓真實與虛構交錯，檢視集體記憶的形成。陳進《野邊》以柔和筆觸描繪田間婦女，展現女性在時代轉折中的堅毅與優雅。納里・沃德《音聲系統》將大理石化為象徵性的揚聲器，讚頌牙買加聲音文化作為一種社會雕塑形式，並探索節奏如何構築歸屬。

邱子晏，《偽飛行場》（局部），2025，零式戰鬥機複製品搭配顯示器、影片、碉堡造型之音聲座椅，15 分鐘，1200 × 900 × 300公分，120 × 45 × 40公分，藝術家提供，由2025台北雙年展及國家文化藝術基金會委託製作。圖像由臺北市立美術館提供。

阿夫拉・阿達希里《加重停頓》以環狀繩索構成冥想場域，邀請觀者在急速的世界裡，以「緩慢」作為抵抗。西爾維・塞利格的刺繡作品重新演繹蛻變的神話；寇拉克里・阿讓諾度才《愛在死亡之後》則打造一處結合聲響與光影的儀式空間，在哀悼、記憶與信仰之間交織共生。

寇拉克里・阿讓諾度才，《愛在死亡之後》，2025，HD、程式燈光及氛圍裝置、機動軟雕塑、環繞音效，47分鐘，循環播放，尺寸依空間而定，音樂執導：Koichi Shimizu，音效設計與混音：Akritchalerm Kalayanamitr，燈光設計與編程：Rueangrith Santisuk (DuckUnit)。藝術家及 Bangkok CityCity Gallery (Bangkok)，Carlos/Ishikawa Gallery (London)，Kukje Gallery (Seoul/Busan) 版權所有，由2025 台北雙年展，Openfield foundation 及Kukje foundation 共同委託製作。圖像由臺北市立美術館提供。

地下樓｜身體作為轉化的場域

這個樓層猶如一面地下鏡像：觀者在此深入自我內在，而思慕則透過呼吸、重複與儀式逐漸具象化。伊凡娜・巴希奇作品《氣動激情》和《靈變》將呼吸的動作轉化為雕塑形式，以特定節奏敲擊的石頭、玻璃容器與其中的霧氣，模擬肺部呼吸的運動，體現對昇華的渴望。克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯展出由人工智能生成的繪畫作品，重新詮釋斯里蘭卡的殖民歷史，並將政治敘事與數位抽象風格相融合，藉此質疑「自動化記憶」時代中的歷史真相。

《靈變》，2025，與Saba Mahdavi 及bespoke. Sur-Mesure Engineering Studio共同製作，水泥、吹製玻璃、賽車排氣管、氣息、氣動電路系統、蠟、銅、接地棒、雪花石膏、壓力，350 × 350 × 250 公分。藝術家及Albion Jeune 和Francesca Minini 版權所有，由2025 台北雙年展委託製作，本作品承蒙 Leonie Lang 及Marc Muller慷慨支持，得以實現。圖像由臺北市立美術館提供。

克里斯多福・庫倫德蘭・湯瑪斯，《ft-ckt-Mullivaikkal-0017:st-20-cfg-7.5-seed0088045765-xy-01-01.png, st-20-cfg-7.5-seed-1436179468-xy-02-01.png, st-20-cfg-7.5-seed-8188555546-xy-03-01.png》，2024，壓克力彩、畫布，350 ×777 × 4 公分，藝術家版權所有，Hartwig Art Foundation 典藏，承諾贈予Rijksdienst voor het Cultureel Erfgoed / Rijkscollectie。圖像由臺北市立美術館提供。

于吉作「石肉」系列以水泥為材料，創作看似堅實、卻又帶有脆弱感的形體，巧妙揭示身體與建築空間之間的關係。徐清波的攝影《密談》捕捉兩名男子傾身交談的畫面，身旁的單車猶如一道安靜的鉸鏈，既分隔，又連結，映照出展覽中反覆出現的追尋與失落主題。傑基・康諾利錄像作品《礦物王國（暗綠）》將個人悲傷轉化為數位地景，並運用如夢似幻的意象，讓記憶與虛擬場域相互交融。